ǚ研难豢赡芤货矶停杂谀切└由畎潞透丛拥囊衾郑郎推鹄葱枰胫杂Φ闹逗托扪热缧郎秃焊咦媪醢罡炒实摹洞蠓绺琛罚撼涛募У摹逗帐伺摹罚ㄇ俑瑁瞥跷摹堆艄厝罚ǜ韪瑁纬臻摹冻啾诨彻拧芳八纬缱髑摹堆镏萋贰ⅰ缎踊ㄌ煊啊返鹊取Ｐ郎驼庑└枨丫荒敲创衅毡樾粤耍谝恍┥旨捌骼值囊衾只嵘匣够崽接谜庑┣鞲谋嗟纳趾推骼智Ｈ绻涣私馑堑脑颍筒荒芎芎玫厝バ郎汀Ｕ庑├智加蟹岣坏睦繁尘埃省⑶髡咭捕挤峭俺＃郎驼庑└枨谀持忠庖迳鲜腔毓死罚芬渫簟Ｃ挥卸阅歉鍪贝缁峄肪场⑷宋乃枷氲牧私猓秃苣迅型硎埽佣档土笋鎏⑿郎退钠肺弧Ｒ衾质巧缁嵘畹挠〖呛蜕挠诚瘢男沙渎耸贝婧腿说男牧橹Ｃ渴赘枨加锌赡苁且桓鐾暾墓适拢欢胃腥说募鸦埃虮场⒒蚱嗔埂⒒蛭瘛词故侵泄囊帐醺枨哺拍芡猓热纭督涛胰绾尾幌胨罚醢肱┐剩栽吻ⅰ段易〕そ贰罚ㄋ纬钪谴剩嘀髑ⅰ睹倒迦浮罚叽剩谱郧┑龋庑┚迷兜母枨两癖蝗嗣怯匠曰叵煸谖杼ㄉ稀８枭谰桑惫廛筌郏酷伤暝掠兰切耐贰�
还有很多外国艺术歌曲的保留曲目，尤其是18、19世纪的古典艺术歌曲，像莫扎特的《渴望春天》；舒伯特的《摇篮曲》、《鳟鱼》、《魔王》；门德尔松的《乘着歌声的翅膀》；拉赫马尼诺夫的《春潮》等等，都是脍炙人口、经久不衰的传世佳作，不仅曲调优美动人、起伏跌宕，而且钢琴伴奏也十分精湛，和声和织体都非常考究，成为欣赏这些大师们作品时需要关注的重要组成部分。我在这里举一个舒伯特的例子。舒伯特喜欢为歌德的诗谱曲，天才音乐家与伟大诗人珠联璧合，创作了歌曲《魔王》。在这首歌曲中，舒伯特用不同的声调为四位角色定位：诱惑的魔王、惊恐的孩子、坚强的父亲和平静的叙事者。这首歌曲创造了艺术奇迹，有奇异的想像、丰富的故事、错落有致的歌曲和美妙的伴奏，令人陶醉，美不胜收。
歌曲欣赏一般是引发我们兴趣入门的品类，虽然种类繁多，但终因为篇幅较短，旋律、结构简单，加之有歌词的辅助，比较容易理解，而另一些作品，比如室内乐，在欣赏上就有一定难度了。
室内乐欣赏
在欣赏室内乐这种音乐体裁时，我们先要了解一下它的产生。早在欧洲文艺复兴运动之前，室内乐就已存在。最早的室内乐是指王公贵族在皇宫或是贵族的大客厅中演奏演唱的音乐，主要是区别于在教堂或是在剧场和广场上演奏的正规、场面宏大的宗教音乐。早期室内乐的演奏主要用琉特琴（一种弹拨乐器）、哈普希科琴（拨弦古钢琴）以及一些管弦乐器，曲目是一些宗教和世俗的声乐、器乐曲，但比较简单，到了巴洛克时期才逐渐丰富起来。高声部一般是用小提琴、长笛及双簧管来演奏，低声部用大提琴及大管来演奏，中声部则用琉特琴和哈普希科琴来演奏和声以及流动的伴奏织体，比初期细腻丰富多了。
到了巴洛克的晚期，被尊称为“交响乐之父”和“弦乐四重奏之父”的奥地利作曲家海顿（1732…1809）赋予了室内乐新的活力，使这一形式得到充实和发展。他确立了弦乐四重奏的典型演奏形式，并使这一形式成为室内乐最常见的演奏形式。在这之前，宫廷乐队的编制并不固定，一是根据权贵们的好恶来选择乐器，二是根据现有条件因地制宜地创作。海顿作为创立古典音乐的领军人物，集巴洛克音乐之大成，写了八十多首弦乐四重奏，仅次于他的交响曲（一百多部）。在海顿早期的弦乐四重奏中（1755—1760），五个乐章的组曲倾向很明显，这主要是受到巴洛克时期的大师巴赫的影响所致。巴赫在他的《英国组曲》及《法国组曲》中，以各种舞曲作为这些组曲的主要成分：像《阿拉曼德舞曲》（Allemande）起源于德国的民间舞蹈，平稳而流动；《库伦特舞曲》（Courante） 起源于法国的舞蹈；《小步舞曲》（Minuet）起源于法国优美而高雅的宫廷舞蹈；《萨拉班德》 （Sarabande）是西班牙的一种轻慢而矜持的舞蹈，起源于东方；《加沃特舞曲》（Gavotte）常伴有仿风笛音调的《缪赛特舞曲》（Musette）。所以在巴赫的初级钢琴曲集（俗称《小巴赫》）里，对于这第13首舞曲的名字，不同时期常常有不同的叫法。有时称为《风笛舞曲》，有时称为《加沃特舞曲》，有时又叫《缪赛特舞曲》。除此之外，还有源自著名的波兰民间舞的《波罗乃兹》舞曲；较欢快的《布列》舞曲（Bourree），以及情绪热烈、一般作为组曲结尾的《吉格》舞曲（Gigue）。以上提到的这些欧洲各国的舞曲，情绪、速度各不相同，风格各异，所以经常作为组曲的常用素材在室内乐的演奏中出现，当然随着不断地发展，后来序曲、进行曲等也加入进来，使室内乐的题材更加广泛。
txt电子书分享平台
欣赏音乐 感受艺术（2）
在室内乐演奏模式成型过程中，有一件特别有意义的事情，就是在巴赫影响之下转化而来的海顿弦乐四重奏。从1771年开始的第十七弦乐四重奏开始，海顿确立了四个乐章的结构形式，更重要的是在结构上开始运用奏鸣套曲的创作规则。它的影响深远，直至现在，无论是一百多人演奏的交响乐，还是四个人演奏的四重奏，抑或是由钢琴或小提琴等乐器演奏的奏鸣曲，在乐曲的结构和乐章的安排方面基本上都沿袭了这个套路。
和交响乐相比，室内乐的重奏有着细腻的表现力，又擅长旋律的歌唱性，各声部乐器的组合也更加精致，所以得以流传至今。海顿对室内乐的杰出贡献，被认为推动了欧洲社交活动的发展，在人类文明史册上翻开崭新的一页。
交响乐欣赏
文艺复兴时期，有了交响乐一说，当时泛指一切多声部的音乐，包括声乐和乐器。16世纪后，交响乐成为纯粹的器乐曲，并在音乐会上单独演奏，使交响乐得到发展。作为交响乐的曲式之一，“索纳塔”也就是奏鸣曲，开始只是泛指器乐作品，以区别于“康塔塔”（声乐曲），后来逐渐演变成越来越复杂的一种曲式结构，成为一种常用的套路规则，当然这种规则在使用时也会因人而异，有所不同，但万变不离其宗，并作为一种最复杂的曲式结构一直传承下来。它一般分为四个乐章，也有的作品是五个乐章，比如贝多芬的《田园交响曲》、柏辽兹的《幻想交响曲》等。每一个乐章的标准奏鸣曲式包括：Ⅰ．呈示部。有时前面有一段较慢的引子或序曲，通常通过主旋律体现出一到两个主题，并互相交映、弥补；Ⅱ．发展部，也叫展开部。它在呈示部主题的基础上进行自由发挥；Ⅲ．再现部。有点类似于第一部分呈示部，是呈示部的再次出现。奏鸣曲中四个乐章之间通常快慢交替，不同主题交相呼映，从而构成整部作品。通常奏鸣曲的四个乐章的曲式结构都比较复杂，也有些作曲家把第二、三乐章简化了一些，但即便如此，一首交响曲听下来也得花费四五十分钟，而听贝多芬的《第九交响曲》要花费一个多小时。
欣赏交响乐时，很多人心存疑虑，不明白花费那么长的时间，用那么多人来演释的作品，到底表达了什么？
不同于我们东方音乐比较注重旋律，西洋音乐的创作非常推崇和声与复调。从器乐曲到声乐曲，从宫廷音乐到宗教音乐，甚至在市井文化中都有充分的体现。不具备这样的欣赏基础，没有培养起这样的听觉习惯，可能也是我们在欣赏交响乐时不大适应的主要障碍所在。我们习惯于听一个旋律，而其他的伴奏声部都是陪衬，而赋格则不然。它的每个声部都有主题出现，每个声部都是主要的。或用同样一个主题，在不同调的不同位置上出现。我小的时候弹巴赫的二部、三部创意曲还没有太多的感受，等到后来弹奏五个声部的赋格，有时甚至觉得不完全是在弹奏，而像是在做一种高级智力游戏，将一个音乐的魔方掰来掰去，变幻无穷，趣味盎然。真想像不出来二百多年前的巴赫是如何用对位手法写出这些音乐的。“对位”手法是把声音当成几何图形、数字或是形象来创作的一种技法，借助于旋律的进行，有模仿、呼应、隐遁、对应、组合等不同的手法，并用严格的数学比例来发展蕴涵在主体中的各个要素，从而产生出一个十分复杂的结构。巴赫的赋格艺术表现出高精密度的复杂和严谨，不愧为音乐中的瑰宝和人类智慧的结晶。
如果说东方音乐通过旋律来勾画出楚楚动人的线条，那么西洋音乐则运用和声与复调来渲染大片的色彩，并通过音乐的不同层次构筑出一幅错落有致的立体画面。
当然用对位手法写的复调音乐也并不都像巴赫的四、五个声部那样繁复，以至于我们的耳朵都来不及接受和分辨。“卡农”这种形式就是对位法的一种基础技法，像冼星海创作的《黄河大合唱》中“风在吼，马在叫”的多声部轮唱，虽然简单，但此起彼伏、很有声势。除了轮唱，一些更复杂的复调性的歌曲像瞿希贤老师改编的东蒙民歌《牧歌》、黎英海先生改编的塔塔尔族民歌《在银色的月光下》等也逐渐被大众接受。
欣赏一部交响乐与欣赏文艺复兴时期达·芬奇、拉斐尔的画，米开朗基罗的雕塑，阅读曹雪芹的《红楼梦》、莎士比亚的《罗密欧与朱丽亚》等名著是一样的，你需要穿越时空、追溯历史，首先去了解作品所描写的时代背景、社会状况、重要事件的来龙去脉等等，这样才有一个欣赏的基础。因为所有艺术作品，都不会脱离时代而孤立存在，音乐也是如此。凡是一个时代伟大的艺术品，无不是在那个时代生活的土壤中深深地扎下根的，唯有这样，才能有顽强的生命力而得以流传。在反映不同时代的同时，艺术也在反映相通的情感，使我们从中聆听历史的脚步，寻觅人类的共鸣。所以，它既是历史的，又是现实的。而欣赏一些当代的艺术，包括流行音乐则容易多了，因为你就生活在这个时代，耳濡目染，很多东西无需再去了解了。
。 想看书来
欣赏音乐 感受艺术（3）
曾经有年轻人问我：我们听现代流行歌、摇滚乐、音乐剧，看美国大片，电视连续剧……为什么还要听这些二三百年前的音乐？我回答：在欣赏现代音乐的同时，你是否了解这些音乐的各种元素都是从哪来的？它们是如何演变的？我们的文化、历史又是如何一步步发展过来的？要知道，我们现今所有的艺术成果都不是空中楼阁，也不是无源之水、无本之木。当我们爬上长城的烽火台，或是走进罗马的斗兽场，并非只是欣赏它壮丽和恢宏的建筑而赏心悦目，更多的是感受历史的厚重，回顾历史的发展和前人的足迹而从中汲取精神的养分。
交响乐的创立虽然年代久远，但作品中描绘的精神、情感以及自然风光、社会生活等与现实一脉相承，凭借心性去感受它，大多数人还是能够理解的，在今天仍有许多现实意义。以贝多芬为例。当他在写完海林根施塔特遗嘱后，顽强地向自己的命运挑战，“扼住了命运的咽喉”，写出催人奋进、在逆境中崛起的《英雄》和《命运》交响曲，这些传世之作以其非凡的力量跨越时空，使每个聆听它的人都为之震撼，获得勇气。而他的第六交响曲《田园》，则描绘了旖旎的田园风光，用长笛、双簧管和单簧管分别表现出夜莺、鹌鹑和布谷鸟的叫声，以及第二乐章的《溪畔景色》，都使听者体会到他对大自然的无比热爱。有人评论说这是一幅美妙绝伦的音画，而贝多芬却说：“《田园》与其说是音画，还不如说是感情的表现。” 因为当他在写遗嘱的这个地方——维也纳北郊、密林环绕的海林根施塔特，完成传世佳作《田园》时，已经完全失聪，那些美妙的鸟鸣声是他发自心底的对美好生活的无限眷恋。记得我在二十多年前第一次指挥这首交响曲时，尽管有的乐队队员并不投入，有人甚至把调号都演奏错了，但我仍深深地被它感动，尤其到了第五乐章的“牧人之歌”、“暴风雨后的愉快”和“感恩之情”，那种对大自然的赞颂之情从内心深处流淌出来，令人陶醉。贝多芬是一个满怀愁绪和痛苦，在现实生活中充满矛盾的人，但他从大自然中获取创作的灵感，而且把这种灵感化作音乐，让我们每个人从中得到启迪：热爱大自然、珍